« Miss Tincea », ainsi nommée affectueusement par les nombreux musiciens qui collaborent avec elle dans ses multiples projets, est « une Voix ». Elle aime avant tout chanter …

Pour elle, le chant vient d’un espace intérieur, il permet des connexions avec soi-même et avec les autres, il guérit les blessures, il est source d’énergie et de joie profonde lorsqu’il est partagé.

Elle voulait chanter, elle en rêvait … Elle EST ce qu’elle voulait ETRE !

Comment as-tu su que tu deviendrais chanteuse ? Viens-tu d’une famille de musiciens ? Comment et à quel moment est venu le goût pour la musique et en particulier pour le chant ?

Je ne suis pas devenue chanteuse, je suis née chanteuse. Je l’ai découvert au cours des quinze dernières années depuis que ce voyage musical s’est vraiment révélé dans ma vie comme une manière d’être.

La différence entre « devenir » et « être » est un jeu de l’esprit, un jeu psycho-émotionnel quand ceux qui prennent soin de vous découvrent vos capacités naturelles, vous accompagnent dans leur prise en main, reconnaissent ou non vos talents, développent votre sens de l’écoute intérieure, sont à l’écoute de votre intuition, de votre confiance en soi, etc…

Ma connexion avec le “Son” du monde, de la vie a toujours été là. Ce que j’ai du travailler en tant qu’adulte, c’est la connexion consciente avec moi-même et ma voix intérieure, une connexion que mes figures parentales, la culture, les usages de la société et le système éducatif non seulement ne m’ont jamais parlé et même, en fait, ont réussi à faire disparaître.

Montrer à un enfant comment écouter ses émotions, les nommer, les contenir, les exprimer… montrer à un enfant ce que ça fait d’être vraiment vu et entendu… Montrer à un enfant ce qu’est une véritable écoute intime… donner à un enfant le courage d’explorer le monde et aussi protéger ses limites…. Donner à un enfant une place vraiment importante à table et au milieu du cercle familial en l’encourageant à exprimer ses opinions, ses valeurs, ses visions, ses jeux, ses idées…

Ces simples actes de présence signifient effectivement aider un être humain à devenir lui-même.

Je suis né chanteuse… mais je suis devenue un être humain à part entière grâce à la musique, au chant, au fait de m’exprimer par les sons. Le chant m’a servi pendant de nombreuses années comme moyen de méditation, de contemplation et de guérison.

Chanter était plus une réaction intuitive à la réalité de ne pas être entendu dans mes sentiments et mes pensées les plus profondes par ceux qui m’ont élevée. Une réaction à mes quêtes, mes besoins, mes souhaits et mes interrogations les plus profondes qui n’ont pas été entendus, écoutés et sans réponses par les adultes qui m’entouraient.

Donc, en les chantant, je me suis chanté au monde, allant jusqu’à l’infini, grâce au World Wide Web et aux ondes radio, avec mes questions : quel est le sens de la vie ? Quelle est la nature de la réalité? Comment puis-je rentrer à la maison dans les bras d’un Dieu que je n’ai jamais rencontré ? Qui et qu’est-ce que ce Dieu d’Amour que je désire si profondément ? Que signifie être humain ? Que signifie être une femme ? Quel est mon but ici ?

Je ne suis pas né dans une famille de musiciens. Les talents artistiques de mon père, inventeur, passionné d’électronique, un peu peintre aussi ont été considérés comme des jeux de détente d’amusement et des passe-temps juste bons à être ignorés.

Comme le diraient les théories transgénérationnelles, mon frère qui a fait de la musique électronique pendant plusieurs années, et moi, sommes venus dans cette famille pour guérir et exprimer la nature artistique refoulée de nos parents.

J’ai commencé à chanter dans le jardin, toute petite, avec mes grands-parents, tout en arrosant les fleurs, en imitant mon grand-père qui chantait en travaillant dans le vignoble. Je me souviens des mélodies lyriques de vieilles chansons roumaines appelées « romances », des chansons d’amour situées esthétiquement entre chants mahala, musique tzigane, musique folklorique, jazz, « doina », musique symphonique et pré-pop music, que j’écoutais quand ma grand-mère me mettait au lit le soir.

Je suis toujours amoureuse de cette vieille chanson intitulée « Doina Haiducilor » (la chanson des hors-la-loi) que nous chantions à l’école maternelle et combien souvent j’ai ressenti les émotions de ce rebelle folklorique sauvage se promenant dans les bois, détroussant les riches pour donner de l’argent aux pauvres.

Je me souviens être restée des heures dans ma chambre à jouer encore et encore « Vivo per lei » ou « Time to say goodbye » d’Andrea Bocelli. Je me souviens avoir improvisé ma première chanson (je crois que mon père l’a toujours enregistrée sur un magnétophone) et simplement chanter librement ma journée à l’école. Je me souviens de mon premier concert de choeurs à l’école, quand je suis entrée en 8ème année et j’ai assisté à une cérémonie scolaire où j’ai chanté un morceau en solo… et que Maman a découvert pour la première fois « J’avais une voix » !

J’ai chanté à ma façon tout au long du lycée sachant que j’avais une motivation et une voix pour le chant, mais je me suis aussi mis à écrire de la poésie et des nouvelles, rêvant d’étudier le théâtre ou la musique mais je n’ai jamais été encouragée dans cette direction, parce que, pour le dire simplement, avec les mots de mon père… « seules les femmes faciles deviennent artistes !».

Jusqu’au jour où… lors de ma première année à l’université, l’amour est entré et est parti en me laissant brisée en morceaux. Intenses émotions ! Première peine de cœur ! Trop à ressentir d’insupportable, d’injuste… et tout d’un coup, comme une réaction émotionnelle et corporelle intuitive, je suis entré dans la salle de bains et dans la baignoire, j’ai commencé à chanter toute la douleur émotionnelle qui m’était insupportable.

Et, de là, est sorti comme une chanson, directe, avec des paroles et une mélodie. En la chantant, j’ai réalisé que c’était autre chose, c’était une CHANSON. Je suis sortie de la baignoire, j’ai enregistré la chanson.

C’était quelque chose de nouveau et de précieux. Mon esprit s’est mis à analyser et à calculer : « qu’est-ce que c’est ? », « Est-ce que ça veut dire que je suis chanteuse ? », « D’où cela vient-il ? », « Est-ce que cela se reproduira ? », « Est-ce une inspiration ? ». Et immédiatement, une autre voix intérieure que je n’avais jamais entendue auparavant a répondu calmement : « Une fois que le robinet s’est ouvert, l’eau continuera de couler et ça ne s’arrêtera jamais ».

Et à partir de ce jour, une toute nouvelle aventure a commencé dans ma vie, l’aventure de chanter, d’écrire, de composer, d’improviser de toutes les manières possibles avec le son et la forme, les techniques et l’expression émotionnelle. Et je me sens bénie pour cette aventure, car je le fais !

Le peintre Marcel Lupse de Bistrita (voir l’article n° 6 de pegase-21) pense que l’environnement dans lequel on grandit influence notre créativité ? Es-tu d’accord avec ce qu’il dit  ?

Ma réponse est un peu dans les histoires dont je viens de parler. Oui, je crois que c’est vrai. Les limitations que nous percevons en tant qu’enfants nous donneront une soif et une faim de savoir, de chercher à explorer tout ce que nous n’avons pas reçu.

Les comportements d’amour, de soin, de tendresse, de confinement, d’affection que nous avons reçus (ou leur absence) feront partie, grâce à notre « voix naturelle », à notre « son » naturel, à nos couleurs naturelles, de notre identité vibratoire de base exprimée dans notre art et notre créativité pendant de nombreuses années.

Cette créativité, de quelle façon s’exprime-t-elle ?

Pour moi, faire de la musique et exprimer ma créativité comme mode de vie pendant de nombreuses années correspond jusqu’à maintenant à un voyage en trois étapes.

La première s’est déroulée dès que j’ai commencé à chanter et a duré environ trois années. Ma créativité était alors un voyage de guérison, d’expression des blessures, de la lumière à voir et à entendre. Ce processus catalyseur m’a amenée à un point où je ne pouvais plus chanter les chansons que j’avais l’habitude de chanter et a également fait ressortir de nombreuses et différentes facettes de moi-même et fait découvrir de nombreux types de musique différentes.

Jusqu’au jour où j’ai pris conscience du fait que je ne chantais pas sur ma douleur et ma guérison, je chantais pour que le public guérisse et s’ouvre, pour se connecter à travers ma musique avec l’amour. Ce fut la deuxième étape de mon voyage.

Aujourd’hui, j’apprécie la troisième étape de mon parcours créatif, c’est-à-dire l’art-thérapie, qui utilise l’expression vocale, le son et la musique avec des techniques thérapeutiques combinées pour aider les gens à se rétablir, à intégrer des parties d’eux-mêmes, à guérir les blessures identitaires et à devenir les personnes qu’elles ont toujours voulues être.

Tant de philosophes et psychologues, penseurs religieux et spirituels et maîtres l’ont clairement dit bien avant nos temps modernes : la créativité fait partie de notre chemin dans le monde, est un grand filtre de notre expérience en tant qu’humains et elle devrait être encouragée chez les enfants et les adultes comme la capacité d’être dans le monde autant que de connaître le fonctionnement de notre esprit, nos dynamiques psycho-émotionnelles conscientes et inconscientes. La créativité pour moi est la voie du cœur.

La naissance d’un groupe de musique est conditionné par les rencontres avec les musiciens ? Comment s’est créé Loungerie II ? Ensuite, il y a eu d’autres projets et d’autres groupes ?

Les groupes de musique naissent de diverses manières, pour diverses raisons. Nous attirons des musiciens et des compagnons de route en fonction de notre recherche personnelle. Certains recherchent la gloire, d’autres, les mêmes parfois, cherchent la meilleure formule pour s’exprimer à travers des compositions, d’autres encore cherchent un moyen cool de gagner de l’argent…

J’ai trouvé mes collègues en recherchant des personnes ouvertes et sûres avec qui partager mes explorations et me laissant la liberté de m’exprimer. Et la grande loi de la résonance m’a mis en contact et en connexion avec des personnes recherchant la même liberté d’expression et d’exploration de soi.

Loungerie II (fusion punk jazz) est né de certaines de mes premières compositions lorsqu’un rassemblement magique de personnes a estimé que ce que j’apportais était précieux et a décidé d’explorer et de créer d’autres compositions dans la direction que je proposais.

En très peu de temps, il était clair que ce que j’avais commencé est devenu le trampoline de ce que nous avons collectivement continué à explorer à travers des improvisations et des jam sessions.

Loungerie II était notre premier projet ensemble et assez vite nous avons commencé à composer ensemble dans des directions esthétiques tellement différentes que, par la force des choses, d’autres projets ont vu le jour.

C’est ainsi qu’en moins de trois ans nous avons réussi à créer plusieurs projets où nous jouions tous ensemble : Abator Industries (musique live pour les films muets), True Bantame (sons techno et musique électronique improvisée), Cats in the Rain (jazz lounge music), Las Poftas (punk), et autres…

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Les groupes se forment de façon modulable en fonction des projets, des affinités musicales ?

Nous sommes un groupe stable de cinq personnes depuis de nombreuses années. Loungerie II, Cats in the Rain et Las Poftas ont toujours eu des formules stables. Abator Industries, True Bantame et d’autres formules musicales que nous avons créées étaient des cercles ouverts, ce qui signifie que chacun de nous décidait à chaque fois si nous devions chanter, quel instrument utiliser, si le groupe de base aurait un invité ou non pour un concert spécifique.

Peux-tu nous présenter les musiciens, nous parler de leur parcours, de leur entrée dans le groupe ?

L’année de notre rencontre a été magique. Je cherchais déjà des musiciens pour montrer mes compositions et essayer de créer un groupe quand j’ai rencontré l’un des plus grands musiciens de jazz roumain, Johnny Răducanu. Il a eu un impact sur ma vie d’une manière qui a « alchimisé » mon besoin de vouloir rapidement utiliser mon talent et créer de la musique.

J’ai rencontré Catalin Lungu , guitariste, compositeur et musicien de grand talent, en 2009-2010 alors que nous étudions tous les deux la philosophie à l’Université. Je venais de poster dans un groupe privé un lien vidéo avec moi en train de chanter et il m’a répondu qu’il avait été impressionné par ce qu’il avait entendu.

Catalin m’a rapidement présenté aux membres de « Tunesinourheads » son groupe d’alors et j’ai commencé à collaborer avec eux, en tant que choriste dans son projet post-rock.

Peu de temps après avoir rencontré Catalin, une autre synchronicité m’a rapproché de Daniel Iliescu, batteur de grand talent avec qui j’ai joué pendant plus de dix ans. Un jour, en regardant à la télévision des interviews en direct d’un Salon du Livre à Bucarest, j’ai vu pendant quelques secondes ce jeune homme jouer du cajon et j’ai eu envie de chanter avec lui. Je l’ai invité à jouer avec nous, et après plusieurs appels téléphoniques, il a fini par accepter … et il est resté !

Ce fut le début d’une longue amitié et d’une collaboration musicale entre nous trois.

C’est peut-être difficile à expliquer, mais la proximité, l’amitié et le lien naturel entre nous trois étaient en quelque sorte un cadeau que nous avons reçu de l’univers. Nous nous sentons juste comme des humains et nous aimons ce que nous ressentons.

J’ai également eu l’occasion de rencontrer à l’époque Dan Michiu Dinescu (guitares, effets), Doru Boeriu (basse), Andrei Bucureci (voix) et plusieurs autres musiciens. Pendant un moment, nous avons travaillé ensemble.

Abator Industries est le nom que nous avons donné à notre collectif musical et la base de celui-ci était que ce serait notre projet d’improvisation et d’exploration, chaque membre accepterait de jouer en concert, si et seulement si il avait envie de s’impliquer.

Sous ce nom, nous avons joué avec huit membres, puis sept et finalement quatre membres pendant de nombreuses années en créant des concerts improvisés librement, en explorant des sons ou en expérimentant la musique live pour des films muets tels que Metropolis, Nosferatu, The Man with a Movie Camera etc…

Loungerie II était au départ composé de six membres d’Abator Industries.

Après un an de fonctionnement, vous sortez votre premier EP. Comment et où a-t-il été enregistré ? Comment l’avez-vous financé ?

Nous avions les chansons, nous avions le dynamisme, nous croyions en notre musique avec Loungerie II et c’était tout naturel d’enregistrer nos chansons.

Ce premier EP et tout le reste de nos enregistrements (avec tous nos projets) ont été payés avec l’argent récolté lors de nos concerts. Notre premier EP a été enregistré avec un producteur indépendant et pigiste novice que nous aimions bien, Marius Costache.

Vous enregistrez également votre premier vidéoclip : « Orasul »

Un an après, le groupe sort l’album « Devaro ». Pourquoi ce titre ?

Comme pour tous les artistes, je suppose, les rêves sont une partie mystique du processus créatif. J’ai rêvé une nuit de ce mot étrange « Devaro » et le lendemain j’ai trouvé que c’était un mot hébreu signifiant « Sa Parole », la parole de Dieu.

Ensuite, j’ai composé une chanson inspirée par ce nom et sa sonorité. Plus tard, c’est devenu le titre de notre album.

Peu de temps après, une autre inspiration pour la musique lounge a donné naissance à « Cats in the Rain », composé de seulement trois membres d’Abator Industries, Catalin Lungu, Daniel Iliescu et moi.

Enfin, plusieurs années plus tard, est né Las Poftas qui jouait de la musique punk avec des paroles en espagnol et qui était composé de quatre membres d’Abator Industries.

D’autres formules momentanées entre membres de notre collectif sont apparues parfois juste pour 1 concert conceptuel, ou juste pour quelques enregistrements.

L’idée était que notre collectif, Abator Industries, était ce plus grand groupe d’improvisation, et à partir de là, toute idée musicale pouvait naître et devenir un projet séparé ou simplement la formule pour un concert unique.

Tout cela s’est fait naturellement, personne n’a imaginé ni planifié cette dynamique de groupe. Une règle était ce qui nous a permis de continuer : la liberté d’explorer autant que possible avec des sons et de l’amitié. Aujourd’hui, onze ans plus tard, nous sommes actifs en tant que groupe avec Abator Industries (réduit à seulement quatre membres actifs maintenant), Cats in the Rain (3 membres) et Las Poftas (4 membres).

On te voit quelquefois avec une flûte ou un bandonéon, tu as appris à en jouer ?

Le bandonéon est drôle… c’est un instrument que je n’ai jamais appris à jouer professionnellement, mais le son qu’il crée et mon approche intuitive totale ont généré des moyens illimités de jouer avec le son, brut, personnel, totalement émotionnel et libre, comme un enfant jouerait sans le savoir innocemment d’un instrument à partir de zéro, l’explorant simplement comme une source de son. C’était en fait l’approche que nous avions, en tant que groupe, envers les sources sonores dans notre méthode d’improvisation.

Parfois, j’utilise aussi la flûte, oui, mais aussi de manière intuitive, en jouant avec l’instrument comme source sonore.

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Tu utilises également le son de tes colliers que tu fais tinter, ça fait partie de tes recherches de sonorités particulières ? Qu’apportent ces sons dans la morphologie du morceau chanté ?

Mes colliers et boucles d’oreilles sont des bijoux qui produisent du son. Je n’avais jamais prévu ça, c’est quelque chose que j’ai découvert et que j’aime. Je me suis acheté un collier lors d’un voyage en Egypte et j’ai adoré le son qu’il produit.

Lors d’un concert, j’ai juste eu l’impression d’utiliser son son et… j’ai découvert que c’était en fait une manière intuitive de jouer de la musique également utilisée dans les communautés tribales.

Mes colliers sont devenus mon bouclier protecteur, mon instrument pour me connecter au pouvoir du cœur et en quelque sorte ils agissent comme un tambour pour un chaman.

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La musique, le corps et le jeu intuitif m’ont montré, très instinctivement, que la musique est une expérience holistique et que la nature et l’homme peuvent se connecter par le son et les vibrations. Ce lien est très important pour moi et fait partie de ma présence musicale et de mes expérimentations jusqu’à aujourd’hui.

En plus des affinités musicales, il semble exister entre les musiciens, des liens très fort d’amitié ? Cela renforce-t-il cette impression de cohérence au sein du groupe ?

Oui. Nous avons toujours reconnu que notre groupe est basé sur le respect de la liberté d’expression et de l’amitié. Nous avons grandi ensemble en tant que personnes et en tant que musiciens. Nous aimions aussi plus ou moins les mêmes genres musicaux et chacun de nous apportait au groupe ses influences.

Il y avait de nombreuses soirées ensemble après les concerts ou les répétitions passées juste à jouer ensemble la nouvelle musique que nous avons découverte, à manger ensemble et à discuter longuement.

Nos déplacements et nos voyages aussi faisaient partie et renforçaient ces liens d’amitié. Nous étions semblables et différents à la fois mais c’était l’un des plus grands atouts de notre vie ensemble en tant que musiciens et en tant qu’humains : donner de l’espace à chacun de notre individualité pour s’asseoir autour d’une table et raconter une histoire qui influencerait les autres.

Le groupe est d’une originalité incroyable, où allez-vous chercher votre inspiration ? Quel est ton rôle et celui des autres musiciens dans ce processus de création ?

Tous nos projets sont notre propre création, composition, son, paroles. La plupart de notre musique a été créée lors de jam sessions ensemble et certaines viennent d’idées créées individuellement et présentées au groupe puis développées en chansons.

Nos projets sont des résultats collaboratifs. Chaque individu offre quelque chose dans ce chaudron d’idées jusqu’à ce que nous sentions tous qu’une chanson est clairement exprimée.

Pour faire une comparaison, c’est comme si nous débattions tous, nous apportions tous des compléments à la discussion, certaines idées restent, certaines sont prises en compte et à la fin si ce qui reste sonne « vrai », nous avons atteint un point stable.

Je ressens profondément que faire de la musique avec quatre autres personnes pendant tant d’années à travers moi, la façon de communiquer, la façon d’écouter, la façon d’exprimer, la façon de négocier aussi, la façon de parfois gagner ou de parfois perdre, me donne le sentiment d’appartenance et de respect.

Cette originalité ne s’arrête pas à la musique, elle est aussi dans votre façon d’être, dans votre rapport au « métier » d’artiste ? Les questions de marketing, d’audience, de ventes, de promotion… semblent bien loin de vos préoccupations, tu privilégies la joie de chanter et de vivre ta passion pour la musique ?

L’originalité est tellement un bon concept. De mon point de vue, nous sommes à la fois le résultat de la quantité et du type d’informations que nous consommons et intégrons, mais aussi le résultat du type de questions que chacun de nous se pose dans la vie.

Et c’est aussi une passion partagée par chacun des musiciens, tout en étant un questionnement sur eux-mêmes et sur le groupe ?

L’originalité est un processus d’exploration de soi utilisant le son. C’était la base de notre collectif et un déclencheur personnel pour chacun de nous. Nous sommes tous intéressés par l’exploration de nous-mêmes et trouver des sons qui expriment le mieux notre façon de questionner la vie.

Le marketing n’a jamais été un intérêt pour chacun d’entre nous et de ce point de vue, je suppose que cela signifie que nous étions vraiment des artistes au travail, pas intéressés par le business de la musique mais plutôt par la magie qu’elle apporte pour nous et le public, pour le processus vital que la créativité permet pour que chacun de nous puisse s’épanouir en tant que musicien.

Une autre de vos particularités, et qui démontre votre ouverture d’esprit et votre respect les uns envers les autres, c’est cette capacité à laisse les musiciens la possibilité de collaborer avec d’autres groupes d’autres musiciens ou de faire un parcours solo. C’est une logique gagnant-gagnant ?

Il n’a jamais été question de conflit entre nous mais plutôt d’une acceptation mature du fait que chacun de nous est d’abord un individu avec des intérêts et des besoins variés en matière de musique. La logique veut que, même en faisant partie d’un collectif, nous avons besoin de plusieurs projets musicaux très différents pour nous exprimer… très probablement chacun de nous avait encore plus de facettes personnelles et individuelles à explorer.

En dehors de cela, bien sûr, chaque membre du groupe s’enrichissait dans le collectif avec chaque expérience musicale que cette personne avait en dehors du collectif. Et cela s’est avéré vrai.

Cela a été démontré plus tard dans ma vie, pour qu’un organisme relationnel tel qu’un groupe musical évolue, il a besoin d’un développement constant de chacun de ses membres et cela ne peut être réalisé que si les membres, séparément, explorent la vie.

Dans les concerts, j’insère de courtes explications sur le côté mystique de nos chansons. Pendant de nombreuses années, j’ai gardé ce côté de moi en quelque sorte voilé parce que même certains de mes collègues étaient un peu mal à l’aise avec mon approche spirituelle de la musique.

Mais avec le temps, je l’ai assumé encore plus librement avec « Cats in the Rain » et mon projet solo « El Madre », où je me sentais plus sûre de moi.

Pourquoi avoir créé « Cats in the Rain » ? Avec quels musiciens ? Pourquoi ceux-là précisément ? Il fonctionne parfois en duo parfois en trio ?

Cats in the Rain (musique lounge jazz) est arrivé quand une partie de moi avait besoin d’exprimer des côtés plus doux de moi-même. Certaines chansons que nous avions composées pour Loungerie II étaient trop douces et énigmatiques, trop « féminines » et émotionnelles pour faire partie du répertoire du groupe, alors j’ai décidé d’inviter à créer un nouveau groupe pour ce besoin émotionnel et expressif.

Deux autres membres du groupe m’ont rejoint dans cette aventure. Ce sont Catalin Lungu à la guitare et Daniel Iliescu au cajon. Je suppose que ces deux grands amis m’ont suivi car je crois en ce que je joue et ils comprennent la profondeur de ce projet très féminin. Ils m’ont suivi car ils sont capables de ressentir cette profondeur autant que moi et de respecter ce genre de sentiment et son expression musicale.

De plus, nous improvisons beaucoup, faisant de chaque concert une expérience unique. Je pense que cela fait aussi partie de la raison pour laquelle ils ont suivi… parce qu’ils pouvaient expérimenter eux aussi.

Quand parfois Daniel n’est pas disponible, nous faisons fonctionner le groupe en duo en cas de besoin, mais la formule stable est un trio.

Chanter et en même temps t’occuper du son, de la technique, c’est une sorte de gymnastique mentale et physique ?

Je n’ai jamais été formée à l’aspect technique de la musique. Grâce à Dieu et au destin, je suis la fille d’un homme très bricoleur et inventif, j’ai donc grandi avec une approche technique de la vie, voyant mon père créer, inventer et résoudre beaucoup de choses autour de la maison.

Je suppose que c’est pour cette raison qu’au cours de mes études de premier cycle, je participais et je gagnais des concours en physique, chimie et en électronique. Alors le moment venu, je me suis essentiellement familiarisé avec la technologie en musique.

Je vois ce côté de la musique comme faisant partie du développement sain que la musique a toujours apporté au cerveau humain : la musique signifiait aussi danser et bouger, la musique signifiait toujours travailler avec la réverbération, inventer des instruments à partir des ressources naturelles dont on disposait, la musique signifiait aussi la coordination physique et mentale.

La musique est une expérience saine, on utilise le corps, l’esprit, les émotions et l’esprit en même temps pour créer l’harmonie et envoyer un message dans le monde.

Ensuite tu crées « El Madre », une formule « solo ». Pourquoi ce nom ? Que cherches-tu à exprimer ?

La spiritualité correspond au dépassement d’une limite pour beaucoup d’entre nous. À un moment donné, j’ai ressenti le besoin d’exprimer directement et clairement certaines de mes quêtes et aspirations les plus profondes, certaines des recherches et croyances les plus intimes liées à la spiritualité, à la guérison par le son et à la partie énergétique de la musique.

C’est pourquoi El Madre a été créé, pour exprimer et travailler librement avec le son comme instrument de guérison. El Madre est un jeu de mots. En espagnol Madre est un substantif féminin tandis que « El » représente le côté masculin.

Mon objectif avec cette instance musicale était de répercuter l’équilibre entre l’animus et l’anima, le masculin et le féminin, d’exprimer le mariage intérieur dont parlent toutes les traditions spirituelles millénaires et le niveau supérieur de vibration de conscience, d’énergie, de respiration que le travail sonore fait naître.

Oui, parfois je fais des actes en solo comme El Madre, parfois j’ai des invités spéciaux sur scène qui jouent avec moi des sons acousmatiques, des chants intuitifs, des mantras, des hymnes spirituels, de vieilles chansons folkloriques du monde entier, tous réunis pour créer avec le public et pour le public une expérience d’ouverture du cœur, un voyage dans les espaces intérieurs, dans la vulnérabilité et le contact avec soi.

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Après tout, c’est la première expérience avec le son que les humains ont eue : la musique comme connexion, la musique comme contact profond avec soi, la nature et l’esprit.

Tu as un contact chaleureux avec le public, peu importe le lieu et la grandeur de la scène, cela peut être un café-musique, un jardin, une scène nationale ou internationale, un festival, un grenier, une galerie d’art…

Cela a toujours été une partie naturelle de l’expérience du concert pour moi d’être en relation avec le public. De nos jours, je commence toujours un concert en rappelant à tout le monde dans le public et sur scène que nous partageons tous le moment.

Chanter à la maison, dans des salles privées, ou répéter n’est jamais la même chose que jouer avec un public… et cela est dû à notre présence ensemble dans le même espace. Chaque personne dans la salle compte, chaque personne dans la salle est ressentie et contribue par sa présence à la plénitude du cercle que nous créons ensemble.

Un concert est un moment pour offrir, recevoir et amplifier le son ensemble. Il y a onze ans, l’intimité que nous partageons tous en groupe lors d’un concert n’était qu’une intuition, aujourd’hui c’est devenu une invitation consciente pour chacun à rejoindre le cercle sonore, à en faire pleinement partie, à en faire partie et co-créer le moment, l’assumer, certains d’entre nous écoutant, certains d’entre nous chantant, dansant et parfois tous chantant ensemble.

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Le meilleur d’un tel moment de concert, c’est quand les gens se sentent capables d’ouvrir leur voix, de sentir le son dans leur corps, de danser et de chanter tous ensemble… parce que chanter en rond était un mode de vie, un moyen de guérir, un moyen de mémoriser pour chacun son histoire de vie, un moyen de communiquer et de participer au plus grand bien de l’ensemble.

Parallèlement, et depuis longtemps, tu as des activités annexes liées au journalisme, à l’organisation d’événements, aux animations culturelles, etc…?

J’ai toujours travaillé avec les mots (écrits, parlés, chantés, joués), la communication, les relations humaines. Mon premier travail, quand j’avais 19 ans, était assistante de projet dans une ONG où j’étais bénévole depuis l’âge de 13 ans, travaillant avec des personnes handicapées.

Je me suis formée, j’ai étudié et pratiqué le journalisme (journaliste et présentateur de télévision, journaliste de radio, journaliste de presse) couvrant l’aspect culturel de la vie quotidienne.

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Après cette expérience de journaliste, qui a duré presque huit années, j’ai eu envie de me replonger dans les Relations Publiques Culturelles et pendant près de sept ans j’ai travaillé pour une maison d’édition en tant que manager puis comme organisatrice d’événements culturels.

Depuis 2019 je suis de retour dans le métier de la maison d’édition mais en tant qu’éditeur de livres en interne. La moitié de la journée, je travaille comme éditeur de livres pour l’une des plus anciennes maisons d’édition spirituelles de Roumanie et l’autre moitié de la journée, je suis thérapeute artistique et vocale travaillant avec des clients.

D’une certaine manière, je peux clairement voir et dire que mon travail a toujours été d’aider les autres à faire entendre leur voix.

Comme les planètes qui s’alignent pour former une configuration favorable, toutes ces expériences de communication, ta formation relationnelle rejoignent tes expériences musicales pour constituer un point de convergence. C’est ainsi que nous arrivons à la phase 3 de ton voyage en créativité : le chant comme thérapie !

Cela a commencé intuitivement pendant les concerts et maintenant cela fait partie de mon travail professionnel. Aujourd’hui, j’ai créé le chant intuitif, un travail vocal et psychologique pour des groupes de personnes.

Pour le moment, mes cercles de chant intuitifs sont particulièrement attrayants pour les femmes qui sont plus ouvertes à l’exploration de leur monde intérieur à travers le chant. Mais de temps en temps, il y a aussi des hommes.

Les ateliers dédiés aux enfants sont les plus amusants, créatifs et étonnants car les enfants sont ouverts à expérimenter avec leur voix, leur corps, ils sont ouverts à expérimenter le jeu à travers la musique et la fabrication d’instruments, leur niveau de liberté et de plaisir est donc beaucoup plus grand que celui des adultes.

D’une certaine manière, je suis désolé pour nous tous, les adultes, car d’une année à l’autre, nous perdons une partie de cette liberté de jouer, de nous expérimenter et de nous amuser.

La musique m’a amené à cette nouvelle étape de ma vie : je suis sur le point de devenir thérapeute et une partie de mon travail consiste à utiliser les arts, en particulier la musique, pour faire un travail d’auto-guérison et d’intégration grâce au pouvoir expressif de l’art.

Tout comme les jungiens travaillent avec des symboles et des images symboliques, j’utilise la musique comme un instrument pour descendre dans les parties non dites de la psyché des gens. L’art est une forme de révélation des parties inexprimées, inaudibles et invisibles à l’intérieur de nous qui dirigent souvent inconsciemment notre vie. Pourquoi ne pas libérer toute cette tension inconsciente à travers nos voix et nos corps ?!

Ton travail actuel est une porte qui s’ouvre vers un avenir prometteur et qui, en même temps, ne tourne pas la page du passé puisque tu continues à chanter en public seule ou avec ton groupe.

Pegase-21 te souhaite beaucoup de succès et toujours plein d’expériences enrichissantes à vivre