Para a edição 2 de fevereiro, Pegase-21 decola para uma viagem sobre o Atlântico até Recife, localizado no nordeste do Brasil.

É aqui que encontramos Sérgio BELLO, um pintor extraordinário, denunciando há anos os maus-tratos que o homem tem infligido ao planeta e um grande defensor da biodiversidade.

Você nasceu no Brasil em 1952. Você se lembra de sua cidade natal, seu bairro? A sua casa ainda existe?

Nasci em Recife, capital do Nordeste do Brasil (cidade de 2,5 milhões de habitantes) no bairro do Rosarinho. Cresci em uma grande casa cercada por um grande jardim tropical e isso me deu, desde criança, uma grande sensibilidade para com a natureza e as árvores… Infelizmente, minha casa de família foi demolida e existe hoje. .

Você guarda alguma lembrança, durante sua infância, de acontecimentos ou circunstâncias que possam ter contribuído para sua vocação?

Desde criança adoro desenhar, meus pais me incentivam, mas queriam que eu me tornasse arquiteto. Quando anunciei que queria Belas Artes – risos – um pouco de hesitação da parte deles, mas eu disse: Belas Artes são minhas paixões! Eles rapidamente me entenderam e me encorajaram de uma maneira notável!

Então é no estado de Pernambuco que você inicia seus estudos de arte? É uma escola localizada em Recife?

Sim, Estudei Belas Artes na Universidade Federal do Estado de Pernambuco – em Recife sua capital – de frente para o mar de recifes de coral.

De 15 anos de idade, você começa a entalhar em madeira. Nesse primeiro contato com o material, o que você já procurava expressar?

Comecei com os baixos-relevos com portas recicladas velhas e madeira velha de qualidade fácil de manusear. Sempre adorei esse material vivo que é a madeira.

Uma eco-lógica entre natureza, arte e meio ambiente, desde muito cedo estruturei minhas criações artísticas com um desejo poético e comprometido.

Aos 20 (1972), você expõe no Rio de Janeiro e todas as suas obras estão vendidas. Esta exposição deu-lhe autoconfiança e fortaleceu a sua determinação?

Desenvolvi uma paixão artística, adquiri técnica ou não, eu rapidamente senti que a minha vida seria composta de pesquisa plástico …

Entre 1974 e 1977, comecei a desenhar com caneta nanquim. Desenhei paisagens imaginárias inspiradas em casas do estilo colonial português. Fiquei indignado com a não preservação, destruição destas casas, capelas, igrejas e fontes deste património herdado de Portugal. Representei minhas paisagens muito líricas: com ruas de paralelepípedos, vegetação tropical, postes de luz antigos, um céu atapetado com mil e uma flores. Ausência total de seres humanos nas ruas …

Você tinha 26 anos (em 1978) quando chegou à França para ingressar na Universidade de Paris I – Panthéon Sorbonne, para obter uma Licença em Estética e Filosofia da Arte.

É, portanto uma viagem de estudos? O que motivou sua escolha da França?

Viagem de estudos que estendi para fazer um Mestrado em Estética e depois o Diploma de Estudos Avançados (DEA) em Belas Artes – ainda na Universidade de Paris I – Sorbonne.

Escolhi a França porque queria me aprofundar nos estudos da língua francesa, que comecei na Alliance Française em Recife (entre 1975 e 1977). Depois de terminar meus estudos universitários na França, eu já estava apaixonado por Paris e muito mais apaixonado em Paris !!

O Brasil é meu país por destino e a França é meu país por eleiçã

“Gritos de Eros”: Em 1982-83, você fez uma série de desenhos e litografias sobre Arte Erótica a partir das criações de civilizações antigas.

Entre os anos de 1982 e 1983, Pesquisei tudo que pude encontrar sobre Arte Erótica em várias civilizações antigas. Comecei recuperando inúmeras imagens plásticas sobre Arte e Amor na Grécia, Japão, China, Peru pré-colombiano, França, Pérsia, Nepal, Índia e Egito Faraônico.

Minha intenção era pegar essas escolhas de cenas de amor e inseri-las integrando-as em minhas composições plásticas como uma sequência. Desenvolvi desenhos para uma série de litografias, que chamei de “Gritos de Eros”, e apresentei essas cenas eróticas em uma exposição imaginária. Uma exposição de Arte e Amor aberta ao público em plena rua da Paris idealizada. Optei por representar o amor carnal, sem tabus, em todos os momentos e de forma universal.

• 

• 

Contudo, no início dos anos 80 surgiu um grito de amor / um grito de amor. Eros e Vênus estavam sendo punidos com o trágico surto de AIDS no mundo! O tema que apresentei não era ambíguo, era ambivalente. Gritos de prazer carnal e gritos de amor ferido. Amor atingido por uma doença devastadora. “Eros e Thanatos” poderia ter sido o verdadeiro título desta série litográfica.

Nesta série, você está aprendendo sobre a técnica litográfica?

Dediquei-me a esta “gestação” durante nove meses. Dediquei-me a esta “gestação” durante nove meses. Desenhei as nove composições desta série. Nove meses de trabalho para escolher os originais das gravuras, fazer as camadas, os esboços adaptados, os traços na pedra e finalmente poder fazer as edições limitadas de cem exemplares de cada composição 0,60 x 0,80 cm. Fiz esse trabalho com muita paixão. O tema exigia isso!

Gritos dos Profetas: Em 1984-85, o senhor dedicou sua dissertação de mestrado na Sorbonne ao escultor brasileiro Antônio Francisco Lisboa (1730-1814), conhecido pelo apelido de Aleijadinho, “O pequeno aleijado”.

Lisboa parece ter sofrido de uma doença (lepra?) Que deformou várias partes do corpo, o que não a impede de fazer doze esculturas (os profetas) para a Igreja do Bom Jesus de Congonhas no estado de Minas Gerais.

Este estudo te inspira com sua série “Gritos dos Profetas”, o que você chama de “Remake-Alejadinho”, uma recriação que permite considerar a arte como fonte de questionamento humanista e humanitário sobre a intolerância e a violência.

Sobre o conceito de “Remake”, minha proposta foi organizar uma pesquisa plástica e teórica com essas “pérolas do barroco brasileiro”, figuras-chave na obra de Aleijadinho – diz o “pequeno aleijado” criar variações em torno dos doze Profetas, como “Porta-vozes” dos povos oprimidos, mantendo a composição formal de seus personagens e integrando nesta pesquisa um questionamento da vontade universal.

O fato de querer desenhar sobre o século XVIII não constitui um arcaísmo para um artista que quer pintar o seu tempo. Através do conceito de “Remake” refiro-me às desigualdades sócio-político-culturais e raciais da época do Aleijadinho e do período do regime militar brasileiro entre 1964 e 1984. Em suma, é como se eu tivesse decidido, como um artista contemporâneo, “produto de seus anos negros”, para encarnar “a criança aleijada”, finalmente exorcizando nossas angústias de colonos e criadores.

Em que medida uma pintura pode se tornar uma imagem plástica que expressa uma filosofia com um desejo de apelo universal?

Como pintar com uma imagem plástica que é apenas uma imagem reduzida e limitada da realidade, e tentar, através dela, comunicar personagens e acontecimentos de forma que nos permitam enviar uma mensagem de interpelação? Desejo que meus personagens “aleijados” simbolizem fielmente o meu pensamento indignado: que esses “deficientes” sejam vistos como o mal sofrido pelo Brasil, a escravidão, a Conjuração abortada e a lepra brasileira da ditadura militar.

• 

• 

• 

• 

Minhas pinturas de profetas raivosos,porta-vozes de todos os povos oprimidos, abriram caminho para uma série de pinturas que chamo de “Gritos do final do século”. O grito dos povos sul-americanos submetidos a regimes militares, o grito dos negros, o grito dos indianos, judeus, palestinos, curdos, romenos, tibetanos, chineses, afegãos … todos gritos de dor de todos os homens e mulheres. Dor opressiva dos submissos, socioeconômica dos desfavorecidos, patológica dos desnutridos, pacientes com câncer, pacientes com AIDS. No drama imortal que vivemos, nós, mortais, somos todos irmãos e irmãs que sofrem. É o mesmo choro … ontem … hoje.

Gritos dos povos: Esse tema do “grito” voltará como fio condutor em seu trabalho. Mas nenhuma angústia existencial como na de Munch, nenhuma pesquisa estética como nas de Francis Bacon, Nenhum grito expressando espanto como em Caravaggio (a boca escancarada de Medusa descobrindo seu carrasco, Perseu).

Os vossos “gritos” dos povos, gritos do “fim do século” parecem sobretudo gritos de protesto, de sofrimento, de dor, “gemidos” mas silenciosos e congelados na tela.

Minha pintura é violenta, claro, porque trágica, lemos o drama do ser humano. Mas ela não é pessimista porque o que há de positivo nessas pinturas é a força, a generosidade, a crítica da indiferença das pessoas à miséria em todos os seus aspectos. Quero uma arte que desafie, que agite. Uma tela deve falar por si mesma, geralmente dizemos aos pintores. Minha pintura grita sozinha em silêncio. Gritos que derrubam os muros de toda Berlim, contra todo o apartheid e toda a Amazônia em chamas … Uma transcendência de todas as dores, minhas, nossas.

• 

• 

Durante os anos de 1994-95, depois dos gritos dos homens e dos povos, virão os da terra. A terra gera harmonia, mas é perpetuamente atacada pela loucura dos homens. Sua série denuncia essa agressão?

Gritos da Terra: Suas preocupações ambientais surgiram muito cedo e são parte de sua identidade profunda.

A Mãe Terra de todos os povos nunca pediu tanto choro, tantas lágrimas, tanto sangue para virar! A arte pode e deve questionar nossa comunidade de destino humano e ambiental. Eu denuncio isso com gritos pictóricos coloridos!

Tecnicamente, você faz grandes formatos que se tornam, graças às suas colagens, reais pinturas-objetos?

Está reciclando! Uma metamorfose plástica, volumes de lixo multicolorido, como vandalismo transformado em criações artísticas.

Desordem na beleza ou ordem na feiúra? Por sua violência extravagante, uma pintura perturbadora vai além do quadro acadêmico da imagem do belo. A feiura se torna o instante de ira da beleza.

Eu qualifico minha pintura como “bela e rebelde”, Bela porque Arte é paixão: Rebelde porque a Arte pode ser poética mas também engajada!

Todas essas obras representam a Mãe Terra da qual você fala, “Natureza morta / natureza morrendo”, com títulos evocativos: * “Terra-nobyl”, “Terra queimada”, “Terra partida”, “Terra de Lótus”, “Terra do ciclone” ..

“Natureza-morta” é interpretado no sentido não acadêmico do termo. “Natureza-morrendo” refere-se à nossa perspectiva ecologicamente contemporânea.

Terra mãe dos povos, estratosfera enfraquecida, placenta de vidas terrenas atingida por uma raça louca que sabota a beleza, crise que vira gritos de hoje, Planeta-zombados, meus gráficos-fogos de artifício vão direto ao ponto: nossas selvas em fogos em lixo, em cinzas .

Os títulos são sempre variações plásticas sobre o tema de nossa Mãe Terra com sua beleza destruída por falta de ideais verdes de nossos contemporâneos.

Você está voltando a formatos menores para criar “Ecoiluminações”, a palavra vem de uma técnica particular que você desenvolveu?

São miniaturas como as antigas iluminações dos livros sagrados. Chamei-os de “écos-enluninures”: uma eco-lógica entre a Arte Sacra e o meio profanado

.

• 

• 

• 

Você faz dele um livro que se torna um “verdadeiro manifesto” e como resultado, para comentar suas 25 ilustrações, você pediu a 25 personalidades do mundo da Arte, Ciência, Antropologia, Ecologia e Desenvolvimento Sustentável, entre outras Danielle Mitterrand, Edgar Morin ou Hubert Reeves. Como essas personalidades reagiram?

Eu percebi pela primeira vez minhas 25 iluminações. Então, pedi a essas 25 personalidades que fizessem uma ilustração verbal de uma de minhas pinturas.

Ilustrar um texto ou ilustrar verbalmente uma pintura era como dar brilho a uma ideia manifestada para a nossa comunidade do destino terreno. Os literários jogaram o jogo! É assim que as 25 imagens pictóricas e as 25 imagens verbais são paralelas e andam de mãos dadas. Eu me senti estragado pelas lindas letras que eles me deram! O livro foi publicado em 2015.

Desde 2015-2016, você vem fazendo esculturas que chama de “árvores genealógicas”. O que você quer dizer com a palavra “genealógica”?

O título completo de minhas esculturas atuais é “Árvores genealógicas / Conexões e Lianas ”. Essas “árvores genealógicas” são “árvores da vida”. Os nativos americanos dizem que a floresta surgiu das águas amazônicas e que todos nós viemos dessa imensa selva.

A genealogia das espécies vegetais e animais remete-nos à água, base da origem da vida. Todos nós temos as mesmas raízes aquáticas. Somos seres sem clorofila, mas estamos ligados aos mesmos ramos e ao mesmo tronco.

De onde vem a escolha dos materiais (sapatos, galhos …)? Como eles se articulam entre si?

Os nativos americanos também dizem que os homens brancos inventaram sapatos, avenidas, edifícios e cidades de concreto. Os homens “calçados” se esqueceram de que saíram do “Pasha-Mama” – a Mãe Natureza. Então, eles querem possuir tudo: ouro, madeira, o mundo … Eles estão, portanto, separados da Natureza?

Nos meus designs, homens e mulheres são representados por sapatos. É como se estivéssemos ligados às plantas por longos cordões umbilicais e cipós sinuosos que nos unem às plantas. Esses sapatinhos simbolizam os filhos terríveis, filhos de Gaia, crescidos em cachos, como os botões das árvores.

Eu enxerto madeiras amazônicas, vinhas de Borgonha e champanhe entre elas com papel colado

Estamos esquecendo que nossos galhos são iguais!
Perdemos a conexão fundamental com a selva primitiva. Minhas instalações apresentam todos esses sapatinhos jogados no chão como “as maçãs de Newton”: os frutos das árvores que caem ao quebrar o caule.

Com o meu trabalho, busco mais do que nunca esse elo perdido com o Todo! “Tudo está em tudo”, disse Baruch Spinoza. A vida está ligada a Todo o Universo. Relacionado a tudo que nasce e tudo que morre! Desafio nossa falta de respeito pelo planeta onde surgimos e evoluímos.

Os artistas há muito dão uma visão mística da Criação, hoje eu quero apresentar uma visão evolucionária da existência na Terra.

Os humanos foram criados descalços e, usando botas largas, pisam pesadamente em nossos frágeis jardins. Podemos ser irônicos e dizer que, com a evolução das espécies, elas acabarão por nascer calçadas?

Você educa adultos e crianças organizando oficinas durante as quais propõe a realização de uma obra coletiva de grande formato a partir de elementos naturais que os participantes fixam em painéis. Qual técnica você usa?

Proponho aos participantes a criação, com elementos reciclados segundo o princípio da “Mandala”, de uma grande composição, redonda como a Terra.

Quatro grupos trabalham em grandes quadrados de 1m x 1m (cada quadrado representando um quarto do planeta), que serão então montados para formar um políptico de 2m x 2m.

Quais são esses elementos naturais? Como eles são fixos?

Os participantes são convidados a recolher materiais naturais que possam trazer consigo, de forma a terem os materiais necessários ao trabalho coletivo na oficina. As crianças também podem trazer pequenos brinquedos para uma sensação mais lúdica.

Esses elementos vegetais naturais (folhas secas, galhos, raízes, aparas, cascas, fibras, sementes, etc.), minerais (areia, seixos, seixos, corais, etc.) e animais (penas, peles, ossos, conchas, fósseis, etc.), são fixados com papel misturado com cola de madeira, depois são pintados com tintas acrílicas.

• 

• 

O objetivo é criar um trabalho que desafie. O trabalho obtido é um ato de resistência que deve desafiar o público? Adultos ou crianças, o discurso é o mesmo?

Sim, a Mãe Terra está em uma corrida louca pelo lucro e seus filhos terríveis têm que mudar, caso contrário, eles vão desaparecer, certo?

A anedota oficina, uma testemunha relata: Em abril de 2008, para uma Maison des Loisirs et de la Culture em Poitiers, Sérgio orientou um grupo de jovens adolescentes, considerado bastante difícil, para realizar um trabalho coletivo.

Na verdade, os jovens estão bastante irritados, perguntando-se “o que é que eles vieram fazer aqui? » Dos elementos recolhidos, tratou-se de os colar sobre um grande painel de 2 m x 2 para mostrar que a nossa querida Terra se tornou uma lixeira.

Um jovem mais corpulento e jocoso que os outros chega com uma pedra muito grande e desafia Sérgio a fazer alguma coisa com o seu achado.

Sérgio finge não notar nada. Ele pega um rolo de papel higiênico, desenrola e cola-o. Depois de espalhar o mingau resultante, com a ajuda do adolescente, ele fixa a pedra com firmeza.
E que detém !!! Ele ganhou. Esses jovens finalmente se sensibilizaram com o discurso comprometido de Sérgio e se orgulharam de ter conquistado o que jamais pensaram que um dia poderiam fazer … uma obra de arte, ao mesmo tempo, uma obra de resistência!

Sérgio, você se lembra desse episódio?

Lembro-me muito bem desse episódio, com esse menino de 16 anos, mais alto que eu e quase ameaçador. Falei com ele de forma afável para acalmá-lo. Ele se acalmou, consertamos a pedra grande que ele queria colocar na composição e fiquei muito feliz com esse momento de sinergia, de construção artística com ele! Foi muito comovente!

Quem é o homem “por trás do artista”?

Quando Sérgio recebe visitantes em seu ateliê, abarrotado de pinturas, esculturas, plantas, oferece um café com canela, como no Brasil! Este é o seu ritual. Ele não será mesquinho com suas palavras e fala com volubilidade. Ele se agita para mostrar suas obras e comentá-las com eloqüência, é lírico, inflamado, convicto e convincente, com momentos de revolta.

Com um pouco de sorte, seu companheiro Jean Claude estará presente.
Com a paciência de um anjo ouve Sérgio contar anedotas que já ouviu dezenas de vezes. Ele pontua as falas com relevância, ao mesmo tempo em que lança para Sérgio um olhar que combina amor e admiração.

É certo que estes dois, depois de mais de 40 anos de convivência e fidelidade, se amam como no primeiro dia. Eles nos oferecem uma certa ideia de felicidade!